Top 10 Películas sobre Invasión Extraterrestre

Un análisis extenso, minucioso, cuidado, no deteniéndose en las interpretaciones de los actores, en los efectos especiales, que opino la crítica o cuanto recaudo el largometraje, vamos más profundo, cómo fueron convirtiéndose a lo largo del tiempo alguna de ellas en películas de culto y otras como influyo la política y la sociedad en la época cuando se produjo.

El género de la ciencia ficción y las invasiones alienígenas a la Tierra ha sido siempre uno de los favoritos del gran público. Con centenares de películas que se pueden clasificar a través de tres temáticas como la infiltración, la ocupación o el ataque directo de una civilización extraterrestre, y recurriendo a diferentes tonos como el terror, la ciencia ficción, el conflicto bélico o el humor, de mi videoteca personal y exclusiva, esta es mi lista, mi top 10 de las mejores películas sobre invasiones extraterrestres de la historia del cine.

Top 10
(2009) The Fourth Kind (The 4th Kind) (La Cuarta Fase)
La Cuarta Fase, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción. Terror Sobrenatural; Falso Documental.

En 1972, el astrónomo Josef Allen Hynek (1910-1986) propuso que existen tres tipos de encuentros con extraterrestres. Cabe decir que el objetivo del trabajo de Hynek no era respaldar o descartar la posibilidad de vida alienígena que puede haber más allá de nuestro conocimiento, sino explorar qué posibilidades existen y cómo categorizar los contactos informados: la primera sería el avistamiento; la segunda, la evidencia; la tercera, el contacto; y se incluye una cuarta, la abducción.

La Cuarta Fase, documentada con archivos supuestamente originales, esta inquietante película logra mantenerte con la duda sobre el límite entre realidad y ficción. Con un formato semi-documental, la trama nace sobre la hipótesis de que desde los años 60 en esa pequeña población, la cifra de desapariciones de personas es desproporcionada.

Antes de continuar quiero agradecer a Ignacio Bucsinszky, por el aporte para este análisis.

¿Dónde está toda esa gente? Para dar respuesta a la pregunta, el film alterna imágenes de la entrevista del director a la verdadera doctora Tyler -incluyendo material de sus sesiones con pacientes que han sido supuestamente abducidos- con toda la recreación de la ficción en paralelo (con Milla Jovovich encarnando a la psicóloga).

Bien acompañada por secundarios de lujo, Will Patton y Elias Koteas, que hacen un buen trabajo en sus papeles, y la ambientación lograda por el director, con planos muy próximos en los momentos de terror y un gran uso de la iluminación y la música preparando los clímax.

Estos abducidos bajo hipnosis comienzan a hablar en la lengua de sus captores, y esta resulta ser el sumerio, donde además muestran tablillas de posible presencia extraterrestre en la antigüedad dando veracidad al documental.

No es el tipo de largometraje que me atrae y me genere mucha adrenalina, pero hago el análisis para que dentro del crisol de películas del género tengamos una visión más amplia y completa. Parece que está de moda el recurso de las grabaciones veraces, aporta intensidad. Todos los elementos están pensados para dar un halo de autenticidad a la película de principio a fin.

La Cuarta Fase, es una película bastante curiosa por combinar «realidad» y ficción. Un largometraje modesto que destaca por esa sorprendente propuesta y por las destacadas actuaciones de los protagonistas.

Top 9
(1956) Invasion of the Body Snatchers (La invasión de los ladrones de cuerpos)

La invasión de los ladrones de cuerpos, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción. Fantástico. Terror | Vida rural (Norteamérica). Extraterrestres. Serie B. Película de culto.

Es una de las primeras películas en abordar la temática de la invasión alienígena desde un prisma de largometraje de serie B que no renuncia a la crítica de la paranoia anticomunista de la época. Apuesta por la ciencia ficción, lo fantástico y el terror a través de una historia de cine negro. La historia tiene lugar en una pequeña ciudad que es invadida por alienígenas. Estos plantan vainas que después se convierten en humanos, copias de aquellos que vivían en el pueblo.

Uno por uno, todos los ciudadanos son reemplazados por las vainas y sus sustitutos, sin ninguna emoción, comienzan a multiplicarse. Un doctor intenta detenerlos, sin saber -como el espectador- quién es quién. En 1978, tuvo su remake que conto con la participación de grandes actores del momento como Donald Sutherland, Leonard Nimoy, Jeff Goldblum y Robert Duvall, como protagonistas. En 1993 llegó Secuestradores de cuerpos, (Body Snatchers) y en 2007, The Invasión, con Daniel Craig y Nicole Kidman.

Casi la totalidad de la acción se desarrolla en Santa Mira. Esta pequeña localidad ficticia que el guionista situó en el estado de California, podría ser considerada una clara representación de la ciudad utópica del ultra conservadurismo estadounidense de la década de los cincuenta.

La población está compuesta exclusivamente por habitantes de raza blanca que aceptan, sin ningún tipo de reparo, un modelo de vida patriarcal. Un paraíso conservador, que de existir, ignoraría la germinación del feminismo y los movimientos sociales vividos en los Estados Unidos de los cincuenta.

Se han realizado ya muchos estudios que han buscado la ideología que se esconde detrás del film, haciéndose incluso lecturas contrapuestas, dado que, mientras unos han definido esta película como una alegoría anticomunista, otros la han visto como una denuncia del macartismo (1).

Algunos críticos e historiadores de cine, creen que Santa Mira sería la ciudad perfecta para los seguidores del entonces presidente anticomunista, de los Estados Unidos, Eisenhower. Para otros esta pequeña ciudad californiana es la antesala de la alienación y falta de libertad a la que esas políticas conservadoras pueden llevar. Sea cual sea la lectura que como espectadores realicemos del film, no vamos a obviar que nos encontramos en Santa Mira, un paraíso para cualquier conservador.

El Doctor Bennell, es el arquetipo del héroe de los films de ciencia ficción de la década de los cincuenta y Santa Mira, no solo su ciudad idónea, sino la localidad utópica del ultra conservadurismo norteamericano, las réplicas humanas que amenazarán a nuestro héroe y al resto de la población californiana, a penas encontrarán similitudes con otros malvados cinematográficos.

Ver hoy en día La invasión de los ladrones de cuerpos es adentrarnos en un mundo utópico donde la amenaza del ciudadano americano se representa en el film a través de unos seres sin sentimientos que quieren imponer a todo ser humano una forma de vida marcada por la falta de individualismos, sentimientos y pasión.

No existe un consenso sobre el significado de estos seres; ni entre los espectadores del film, ni entre aquellos teóricos que han derramado ríos de tinta sobre la obra de su creador. No se puede negar es la intencionalidad del film de mostrarnos algunos peligros que como humanos estamos expuestos, como el individualismo, la conformidad, la deshumanización y la alienación, una teoría que defendió desde un principio el propio director del film.

Recomiendo verla en familia. Luego podemos hacer un debate donde encontramos ese aislamiento y enajenación que plantea el largometraje y en mi opinión personal la trasladaría a las redes sociales y los dispositivos móviles, ya que para nuestro pesar, son medios que nos interrelacionan con las personas, pero a su vez nos inducen a ser seres de otro mundo, un mundo virtual donde no somos realmente lo que parecemos.

(1).- El término macartismo, se utiliza en referencia a acusaciones de deslealtad, comunismo, subversión o traición a la patria en las que no se tiene el debido respeto a un proceso legal justo donde se consideren los derechos humanos del acusado).

Top 8
(2016) Arrival (La Llegada)

La Llegada, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Drama; Extraterrestres; Ejército.

La historia comienza con la llegada de 12 naves, a distintas ciudades alrededor del mundo. Esto fuerza a distintos líderes mundiales a reunir equipos y trabajar en conjunto para intentar establecer comunicación con los alienígenas. En el equipo de Estados Unidos contactan a la Dra. Louise Banks, especialista en lingüística interpretada por Amy Adams.

En un principio, al ser algo desconocido, tanto las naves como sus tripulantes causan terror y se presentan como una amenaza. Su lenguaje oral y escrito son distintos, se comunican a través de sonidos y símbolos que se manifiestan en el aire y no tienen una base fonética. Este método de comunicación representa una manera original de pensar en otras formas de vida, porque su lenguaje e interpretación no se basa en una forma humana ni en una variación de algún idioma ya existente, sino que expande el panorama y va más allá de asumir que los humanos son la base para todas las formas de vida que podrían existir.

Esto se basa en la teoría del lenguaje de Sapir-Whorf, ya que según esta hipótesis, el idioma que hablamos nos hace pensar y percibir las cosas de modo distinto. En este caso, para los humanos nuestro lenguaje nos limita. Hablamos y nuestras oraciones tienen un principio y un fin. Punto. Mientras que para los alienígenas sus símbolos no tienen esta cronología, ni son lineales.

Es por ello que conforme va aprendiendo más acerca del idioma, Louise Banks empieza a percibir el tiempo de forma distinta. Esta transformación en su pensamiento, le abre un nuevo panorama. Los acontecimientos de su vida dejan de ser fragmentos y por lo tanto concibe la vida como un todo. Experimenta las emociones y recuerdos de forma simultánea, no como un pasado ni un futuro.

En primer lugar, para atar el pasado, presente y futuro visualmente, los sets de la casa de Louise, las naves y el salón de clases fueron diseños de forma similar para que se parezcan entre ellos. Los tres lugares tienen una gran pared o división blanca, en la casa es la ventana que da al lago, en el aula es el pizarrón y en la cámara de la nave es el la división del vidrio. También existe una interconexión entre las texturas de estos espacios:

La historia no sigue un orden cronológico, el título se muestra al finalizar la película rompiendo con un esquema tradicional y probablemente mostrando este retorno en la línea del tiempo. Los brincos entre el pasado y futuro le permiten a la audiencia experimentar la misma atemporalidad que la Dra. Banks.

Hasta cierto punto, la premisa es cierta: el lenguaje afecta nuestro pensamiento y en muchas ocasiones nos vemos limitados por el mismo. Es por esto que el lenguaje se transforma, vamos adquiriendo nuevas palabras y maneras de comunicarnos para poder expresarnos y comprender el mundo.

La atención al detalle y la construcción de futuros posibles que presenta este universo, hace que la película sea única. No revela toda la información de golpe, sino que poco a poco va creando una imagen que cobra sentido una vez que tienes todas las piezas del rompecabezas. Asimismo, replantea el estereotipo de cómo debería ser el aspecto de los alienígenas y cómo entablaría la humanidad un diálogo con estos, aportando una nueva versión de un tema que ya se ha visto un sinfín de veces.

La Llegada, cuenta una historia muy humana, en la cual nos recuerda la importancia del lenguaje y de nombrar las cosas. El arribo de los alienígenas es sólo el detonante para abordar la complejidad de la comunicación y todos los retos que significa comunicarse con otras personas… u otros seres.

Top 7
(2013) Oblivion

Oblivion, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Intriga; Futuro postapocalíptico; Distopía; Cómic.

La historia de Oblivion es sencilla: la Tierra sufrió una invasión alien hace algunos años, la humanidad ganó la guerra pero tuvo graves consecuencias para el planeta. Los humanos sobrevivientes están viviendo lejos, pero algunos se quedaron para supervisar los trabajos en el planeta.

Ahí entra Jack Harper, (Tom Cruise) un técnico que trabaja en equipo con Victoria (Andrea Riseborough) bajo las órdenes de Sally (Melissa Leo) que está en una estación espacial en órbita con la Tierra. Viven vidas rutinarias hasta que cae del cielo Julia (Olga Kurylenko) y llega a cambiarlo todo.

Mediante diversas representaciones vemos a Jack Harper como el hombre común que vive de manera automática, que no cuestiona, que repara máquinas y que el por definición también es una máquina. Pero el no está satisfecho, quiere más, es curioso y eso le permite desarrollarse.

Victoria es quien está constantemente diciendo a Jack todo lo que tiene que hacer, pero a veces él logra engañarla y hacer lo que le gusta. ¿Acaso no es nuestra mente así? ¿Acaso no trata de controlarnos y a veces nos escapamos de ella?

Está dentro de la Tierra para cumplir una misión: asegurar que la raza humana sobrevivirá en Titán, una de las Lunas de Júpiter. Para esto tiene que proteger a una serie de robots (drones) que están haciendo trabajos dentro de nuestro planeta.

Su naturaleza Real se muestra cuando una estación espacial del cielo desciende y choca con personas dentro, entre ellas una mujer con la que ha estado soñando, recuerda de vidas pasadas… Con ella podrá indagar mucho más de la verdad, así Julia entra en escena. Jack y Victoria se comienzan a distanciar. En su búsqueda por encontrar más sobre la verdad Julia y Jack tienen que trabajar juntos y regresan al sitio de la caída.

No hare un desarrollo narrativo ni un recorrido por toda la película, invito a que la vean, pero si quiero dedicarme en ese rincón idílico, natural y simbólico creado por Jack, para él es la regeneración, el nacimiento, la vida, por ello Julia se recuperará perfectamente allí, concebirán a su hijo, será el lugar del reencuentro, lugar en el que la vida es posible, en el que se pretende regenerar y conservar reductos de lo anterior y fundar un futuro.

El cuadro de Andrew Wyeth, “El mundo de Cristina” (2), aparecerá para remarcar ciertas ideas sobre los sentimientos de los personajes, sus motivaciones, miedos y situaciones. El cuadro representa a una frágil chica paralítica, que era vecina del pintor, arrastrándose por la hierba en busca de su casa, lejana, con un desolado paisaje y empinada. La frustración, el miedo y el deseo por un hogar lejano, el sacrificio para lograr el objetivo, la angustia vital. Esos sentimientos que transmite el cuadro y debía sentir Cristina, son homologables a los de los personajes, que ven un desolado panorama que se opone a su deseo, llegar al idílico hogar que ha creado Jack.

Oblivion, que significa olvido, es ciencia ficción profunda y de interés, conceptualmente brillante e inteligente, de magnífica factura técnica, tiene todo lo que se puede pedir a un buen título de ciencia ficción. Es una lástima que no se la haya valorado, pero quizá ese momento llegue.

El mensaje del largometraje es claro, solo nosotros podemos liberarnos de la ilusión en la que nos somete el existir. Somos más que la simple materia que nos forma. Nuestra esencia va mucho más allá de la forma y es inmortal.

No somos nuestras mentes, ni nuestros pensamientos. Somos nuestras propias acciones y sus consecuencias, en nuestras manos recae la responsabilidad de ser libres. Dejemos atrás el tiempo del olvido y comencemos a vivir en el presente.

Sino la viste, ármate de paciencia, relájate y disfruta de una película de ciencia ficción con una gran dosis de filosofía…

(2).- “El mundo de Cristina» fue pintado por el pintor de Pensilvania, Andrew Wyeth, en el año 1948 en los alrededores de su residencia de verano en Cushing, en el estado de Maine. En este cuadro, Wyeth retrata de espaldas a una mujer vestida de rosa y que parece arrastrarse por una pradera en dirección a una misteriosa casa que aparece lejana, allí en el horizonte. En Forest Gump (1994), podemos ver un giño a la pintura en la escena cuando Jennifer Curran (“Jenny”) arroja piedras a su antigua casa abandonada.

Top 6
(1996) Independence Day (Día de la Independencia), también promocionado como ID4

Día de la Independencia, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Acción; Extraterrestres; Fin del mundo.

Espectacular película de ciencia-ficción, dentro de la línea de los clásicos del género hollywoodiense, pero con un tono político claramente propagandístico. La ideología aparente de la película es la invasión extraterrestre, la lucha contra los alienígenas, la defensa de la paz y de la libertad de los humanos o el peligro del fin del mundo. Y, según revistas especializadas de cine y opinión, manifiesta la obsesión que tienen muchos norteamericanos por los fenómenos paranormales y apocalípticos.

Se presenta a Estados Unidos como verdadero árbitro del mundo, de todos los países unidos “incluso Irak” contra el único enemigo común, que viene de fuera del planeta. Y así, bajo la égida yanqui, incide en la unión de las razas y mentalidades del judío al negro hasta los hispanos…, superando las barreras e idiosincrasias ayer y hoy existentes. ¡Por algo la victoria será en el histórico Día de la Independencia!

Solo agregare que fue la iniciadora de los discursos motivadores antes de la batalla, y en lo personal es emocionante ver a un joven presidente interpretado fríamente por Bill Pullman, estimulando a todos los ejércitos del mundo a levantarse contra el invasor alienígena.

Día de la Independencia, nació como una celebración a los ideales norteamericanos llevados a una nueva dimensión. De una forma casi ingenua, el director creó una película épica en la que Norteamérica se convertiría en un héroe de acción. El Director decidió convertir el primer gran encuentro entre lo humano y lo alienígena en una catástrofe. Como si eso no fuera suficiente, basó la efectividad de toda la propuesta en provocar una sensación de asombrado horror. Las primeras imágenes de la película mostraban todos los grandes símbolos de poder estadounidenses devastados, arrasados por algún tipo de fenómeno violento.

Día de la Independencia, no es una gran película. Lo que en realidad sí es, es la decana de todos los argumentos basados en la espectacularidad para crear una mirada exitosa sobre el género de ciencia ficción. Emmerich no tenía pretensiones de crear un panfleto reaccionario, meditar sobre el miedo o incluso, enviar un mensaje sobre lo desconocido. El director solo deseaba mostrar la paranoia moderna sobre el enemigo invencible a una dimensión estruendosa. Un largometraje que, a pesar de lo dicho y de la oposición de la crítica que lo ha tachado de fascista.

Yo no me canso de verla… sino la viste te invito a que lo hagas…

Top 5
(1982) The Thing (La Cosa | El enigma de otro mundo)

El enigma de otro mundo, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Terror; Fantástico; Extraterrestres; Remake; Zonas frías, polares; Película de Culto.

Este largometraje es una remake del año 1951 (The Thing from Another World) dirigida por Christian Nyby, la cual presentaba a una criatura vegetal de aspecto humanoide, que poseía la capacidad de reproducirse a sí mismo a una velocidad sorprendente. Esa cinta desvirtuaba el concepto original del cuento de John W. Campbell Jr., ¿Quién está ahí?, en el que las dos películas se basaron.

Pero es la versión de John Carpenter la que marca el canon de esta historia. En su guión encontramos referencias de corte freudiano y la alusión al desconocimiento del Otro y aún del Yo. Si el engendro metamorfo nos aterroriza es, más que nada, porque no sabemos cómo es; de allí el tratamiento de “Cosa”. En este sentido, se trata de uno de los monstruos más interesantes del cine, ya que, a diferencia de Alien, su forma nunca es la misma.

Desde esta perspectiva, el problema de eliminar al monstruo se vuelve secundario frente a la urgencia de detectarlo. Puede ser todos o ninguno de los integrantes de la expedición que lo han despertado de su sueño de siglos. Incluso, todos los involucrados no tienen la certeza de saber ellos mismos si son humanos o no, dadas las características fisiológicas del intruso. Dudan de sí mismos y de su estado de conciencia.

¿Quién es más peligroso en esta situación de emergencia: el extraño alienígena o los compañeros paranoicos? La Cosa divide y vence. Su mayor poder no estriba en aterrorizar con su aspecto, de por sí repulsivo, sino con su capacidad polimorfa. Consigue minar los cimientos de las relaciones humanas y aún la visión del propio Yo.

Su principal interés no es matar, sino sobrevivir. Es un ente que busca perpetuar sus genes imitando el material genético de otras especies. Camaleónica, la Cosa utiliza además un recurso que muestra lo avanzado de su nivel en el Universo: la reproducción asexual. Se limita a asimilar a sus presas. Cierto que podríamos hablar de agresivas penetraciones, sobre todo con los rojos tentáculos que recuerdan una suerte de monstruosos penes (un poco como la cabeza con forma fálica de Alien), pero se trata de una penetración simbólica.

En una escena memorable, la Cosa baña a un perro con chorros de un líquido que remite al semen; más adelante, nos damos cuenta que este líquido es también parte del monstruo y sirve como vehículo para invadir la anatomía ajena. Como el semen, contiene suficiente carga genética para apoderarse de un cuerpo completo y transmitir su ADN.

El director John Carpenter enfatiza la faceta violatoria de la Cosa en el hecho de que en la película no aparecen mujeres. Son los hombres quienes sufren esta penetración ritual, quienes son poseídos por un monstruo que, en una grotesca parodia del embarazo, se concibe a sí misma a la imagen y semejanza de ellos.

El guión juega con diferentes miedos presentes en el ser humano: el miedo a la soledad en el aislamiento a que están sometidos los integrantes de la expedición; el miedo a los extranjeros en la presencia de un extraterrestre, el miedo al propio Yo en la clonación realizada por la Cosa; el miedo a la sangre en el aspecto del engendro; el miedo a la contaminación física y a las enfermedades, en la propuesta de la cuarentena; el miedo a la oscuridad, pues la mayoría de los ataques ocurren de noche.

En 2011, se lanzó una precuela dirigida donde se narra lo acontecido en el campamento noruego, al cual llega el equipo de exploración que nos mostró Carpenter. Contra lo que podría esperarse, esta nueva visión sobre La Cosa no desmerece, aunque termina desentrañando demasiados misterios que se plantearon en la original.

Estrenada en 1982, una semana después de E.T. el extraterrestre, El enigma de otro mundo, sin duda es uno de los mejores largometrajes de este género que se hayan filmado. Que no les pase como a mí… que por unos cuantos años dejo de ver películas de este género por el socaga que tuve… la recomiendo 100%

Top 4
(2002) Signs (Señales)

Señales, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Fantástico; Intriga; Terror; Extraterrestres; Vida rural (Norteamérica)

Señales, continúa, esta vez de forma más explícita, las preocupaciones religiosas de Night Shyamalan. Se trata de una llamada a creer en Dios a través de las señales que nos ofrece, especialmente desde la lucha contra el mal.

Señales en su historia nos lleva ante el ex sacerdote episcopal Graham Hess, que vive junto a sus dos hijos: Morgan y la pequeña Bo, y su hermano, el ex baseballista Merrill Hess. Graham vive atormentado por la abrupta muerte de su esposa. Mientras lucha con los fantasmas del pasado, Graham y su familia se ven en medio de un hecho inesperado. Sucede que en su maizal aparecieron una serie de círculos, como señales. A medida que avanza la trama, descubrirán que tanto ellos, como todo el mundo, están a merced de una invasión extraterrestre.

El largometraje aborda tres temas claves: religión, familia y ciencia ficción. El hecho de no ver a los extraterrestres, los inquietantes mensajes de Colleen, su esposa fallecida, los sonidos del monitor de bebés, los silencios y sin olvidar la banda sonora, generaron tanta tensión en el público que al más mínimo detalle, podrían estallar por el miedo.

En un diálogo central entre Graham y Merrill se afirma que hay dos tipos de personas. Por un lado aquellas que creen que los hechos y las señales están ahí por pura suerte o casualidad. Mientras que por otro lado, otros creen que hay Alguien que pone sus señales para dialogar y además cuida de los hombres.

Se trata de una presentación casi explícita del tema de la fe. Así se nos plantea la opción agnóstica que apuesta porque únicamente existe la objetividad de los hechos y su carácter puramente inmanente. Este es el caso del padre Graham que después de la muerte de su esposa en un desgraciado accidente ha dejado de creer que Dios cuide de los hombres. Cuando ha visto su vida rota a dejado de creer en un Dios que ha demostrado que está ausente de la realidad.

Como contraposición está Merrill, su hermano menor, que mantiene su fe en un Dios que se revela y cuida de sus criaturas, y que además ha dejado generosamente su carrera como jugador de béisbol para ayudar a Graham y sus dos hijos.

Los pequeños, de forma primaria y poco elaborada, también manifiestan su fe. Morgan con su búsqueda permanente y Bo con sus intuiciones sobre lo que va a ocurrir o sobre los vasos de agua.

Las criaturas diabólicas que vienen del más allá tienen intenciones destructoras y a través de su gas letal matan a los humanos. Pero sin embargo, tienen un punto débil, el agua que les hiere y destruye. Este poder salvador del agua hace referencia al bautismo que se plantea como una fuerza de salvación. El mal, como vemos, tiene ciertamente un poder mortal como quedará demostrado con el ataque a Morgan que recibirá el gas letal.

La ayuda misteriosa vendrá a través del recuerdo de la muerte de Colleen, su esposa, que agonizante le da a Graham las claves de lo que ahora tienen que hacer ante la amenaza extraterrestre del mal.

(…) “Y DILE A MERRILL QUE BATEE FUERTE”, cuando Graham comprende el verdadero significado de las palabras de despedida de su esposa, entonces sabe lo que tienen que hacer para vencer al Mal. En este sentido la unión del consejo de la esposa moribunda y la idea de la pequeña Bo de llenar la casa de vasos de agua, les salvará.

Esto le permite a Graham comprender las “señales”, que no son prioritariamente los círculos de navegación de las naves extraterrestres marcados en la tierra, sino las “señales” de la presencia de Dios que cuida de sus criaturas. En este caso la muerte de la madre se interpreta como señal de salvación.

La referencia trascendente al salir de la casa al aire libre coloca al cielo no sólo como testigo sino también como agente de la salvación. Cuando el pequeño Morgan despierta dirá: ¿QUÉ PASÓ? ¿ALGUIEN ME SALVO? SÍ, HIJO, CREO QUE HA SIDO ALGUIEN.

La reanimación de Morgan también supone una esperanza ante la muerte de la madre que aflige a la familia. Ellos que han visto el poder sobrenatural de Dios ahora saben que la resurrección es posible. Y en ese sentido también indirectamente recuperan la esperanza. Y nuevamente estamos ante una fe que necesita señales más allá de la señal de Cristo salvador.

¿Debo agregar algo más para que deban verla si no lo hicieron?

Top 3
(1951) The Day the Earth Stood Still (El Día que la Tierra se detuvo)

El Día que la Tierra se detuvo, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Drama; Extraterrestres; Robots.

La producción del cine norteamericano en los años cincuenta fue prolífica en títulos de ciencia-ficción y anticipación. El Día que la Tierra se detuvo de 1951, inauguró una relación de películas que se adentraron en la fantasía de otros mundos que nos visitan. Fue coetánea con otra gran obra del género que mencione en este Top, en el puesto número 5: El enigma de otro mundo y en su versión de 1982.

Es una de las películas claves del género de ciencia ficción. Surge en los años de la guerra fría y se sirve del argumento de ‘explicar el presente a través del futuro o de otros mundos existentes en el inmenso universo’. El hombre de las estrellas es un hombre revestido de características celestiales y puede ser identificado, como mensajero o profeta, incluso tiene características similares a la figura de Cristo, como salvador de la humanidad.

Como él, tiene un mensaje, trata de que los hombres le entiendan, sufre rechazo, consigue sin embargo ‘discípulos’ pero finalmente es abatido…, sin embargo, logra resucitar y extender su mensaje.

Su mensaje no deja de ser complejo. Algunos hablan de pacifismo. Sin embargo Klaatu deja claro en todo momento que es superior a los humanos, que su inteligencia está mucho más desarrollada, y lo que finalmente deja es un aviso contundente: el comportamiento de los humanos está poniendo en peligro la paz espacial. La decisión es irrevocable, si los humanos persisten en su autodestrucción y por tanto en ser una amenaza… serán destruidos.

La trama mantiene una cohesión y un ritmo muy placentero cuando coloca al protagonista en la misión suicida de llevar un mensaje a los líderes del mundo, de una especie primitiva que está condenada a vivir entre guerras y divisiones políticas que ralentizan el progreso.

Klaatu está sólidamente interpretado por Michael Rennie, y transmite sensaciones con el lenguaje corporal, los diálogos irónicos y el rostro inexpresivo que verdaderamente hace creer que es un extraterrestre en el cuerpo de un hombre.

Hay un buen rol secundario de Patricia Neal como la madre despavorida y desconfiada que salva el mundo de la aniquilación. El diseño futurista de la nave, tanto en el exterior como en el interior, es sencillamente ingenioso, al igual que el robótico traje pesado de Gort.

Quizá lo más intrigante es que en el largometraje se retrata a Klaatu como un héroe y a los humanos como unos villanos con el fin, supongo, de emitir un discurso pacifista que señala, una y otra vez, no solo las consecuencias nefastas de la era atómica y las políticas de la Guerra Fría, sino, además, la imposibilidad de un mesías que unifique las barreras limítrofes que obstruyen la esperanza entre los seres humanos.

Por desgracia como sucede con estos clásicos, se cometen grandes errores y en hacer adaptaciones de guión y darle un mensaje de carácter ambiental que en la versión del 2008, dirigida por Scott Derrickson, aquí creo que no dio en la clavo: la advertencia de vivir en paz se imparte a una pequeña porción de la tierra (solo a los americanos), algo sin duda mal dimensionado en esta remake, que no ocurre con la original en donde este mensaje se da a todo el mundo y la misma película se encarga de mostrarnos a las diferentes etnias de nuestro planeta, etc, digiriendo esta misiva proveniente de una inteligencia superior.

Pero volviendo a la original de El Día que la Tierra se detuvo de 1951, es una película indudablemente brillante, y que recomiendo verla…

Top 2
(1988) They Live (Están vivos)

Están vivos, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Fantástico; Acción; Terror; Comedia; Extraterrestres; Comedia de terror; Sátira; Película de culto

La tierra está controlada por extraterrestres que se hacen pasar por humanos, copando las altas esferas sociales y los gobiernos, mientras que gran parte de la población carece de recursos, mendiga en las calles y sufre la represión policial.

Tan solo a través de unas gafas de sol, fabricadas por un grupo de insurgentes, se puede descubrir su auténtica identidad y el mensaje que esconden sus palabras.

Su director, John Carpenter, señala es que vivimos engañados por un mundo de símbolos que consideramos vacíos y que, en realidad, tienen una carga simbólica compleja y seductora. Todo significa algo más, los juguetes no son inocuos, sino que enseñan a los niños el trabajo que tendrán como adultos. Las portadas de las revistas no son puro diseño, sino que venden deseos románticos.

Por un lado, es una película sobre los peligros de la ideología subliminal en el capitalismo ochentero. Por el otro, Están vivos señala su propia falsedad, su propia factura, su propio ridículo.

Poner a un luchador de lucha libre como protagonista principal, dejarlo ser un pésimo actor, mostrarlo insistentemente sin camisa y hacerlo disparar lo más posible, muestra esta intención aguda de Carpenter. Con este protagonista grotesco y genial, el legendario director se esforzó por mostrar un mundo maniqueo.

Están vivos es tan poderosa y duradera porque termina, de alguna forma, con toda la paranoia setentera de Hollywood, termina con los Body Snatcher y las teorías de conspiración después de la era Nixon. Este largometraje marca el fin de la sospecha con una duda suprema: podemos señalar los mecanismos ideológicos, pero no podemos escaparnos de la ideología; podemos mostrar cómo funcionan los símbolos pero no nos podemos escapar del imperio semiótico; podemos señalar que somos presas del lenguaje pero no podemos crear una exterioridad lingüística.

Precisamente hay que tener muy en cuenta que la película está filmada durante el gobierno de Reagan, en sus últimos años como presidente de los Estados Unidos. Sus políticas liberales llevaron el capitalismo al extremo y provocaron una gran diferencia entre clases que se ve perfectamente reflejada en el film.

Están vivos es mucho más de lo que aparenta, mucho más que el culto que representa, mucho más que el trauma de la era Reagan y la ciencia ficción distópica. Aquí tenemos la historia de un mártir, el hombre-nada, que se sacrificó para liberar a la humanidad del yugo de los marcianos-capitalistas-totalitarios. Es la historia de un trabajador que, al despertar, puede destruir a todo el sistema a punta de pura valentía.

Con pocos recursos pero noblemente utilizados, John Carpenter nos sitúa ejemplarmente en el argumento, en este caso más bien un contexto que no difiere tanto de nuestra propia realidad. A través de la ciencia ficción crítica duramente nuestro sistema de vida (o al que estamos sometidos) y casi de manera visionaria refleja la actualidad en la que nos encontramos a diario. Una situación de creciente desigualdad y pérdida de identidad con los gobiernos a la que nos han llevado las consecuencias de la vil gestión económica. O algo todavía mejor, nos descubre su naturaleza. No pueden ser humanos, tienen que ser de otro planeta. Simplemente… no hay excusa… tienen que verla.

Top 1
(1953) The War of the Worlds (La Guerra de los Mundos)

La Guerra de los Mundos, está clasificada en FilmAffinity dentro de los géneros: Ciencia Ficción; Thriller; Extraterrestres; Serie B; Catástrofes; Película de Culto.

Wells había escrito su historia como una alegoría de la Inglaterra victoriana, cuyo poder imperialista era formidable a finales del siglo XIX pero cuyo horizonte comenzaba a cubrirse de negros nubarrones. El escritor quiso ofrecer una parábola sobre el ejercicio –y abuso- del poder del imperio británico y cómo esa institución, aparentemente invencible, era aniquilada fácilmente por una fuerza tecnológicamente superior.

Fue un recordatorio de que incluso una superpotencia debería estar preparada para desafíos que no sería capaz de ahuyentar de un simple manotazo. Así, a pesar de los cambios introducidos –o precisamente gracias a ellos-, la película mantiene la fidelidad al núcleo de la obra de Wells. Por otra parte, la invasión alienígena orquestada –en su versión estadounidense- toma un cariz internacional –Wells nunca mencionó lo que ocurrió en otros países-, mostrando lo que sucede en otras ciudades del mundo aun cuando la acción principal transcurra en las afueras de Los Ángeles.

¿Quién nos salva de los marcianos? Esta pregunta me la hice a los diez años cuando vi por primera vez en blanco y negro La Guerra de los Mundos, hoy viendo su narrativa e investigando sobre su creador, que no creía en una fuerza divina, creadora y redentora, por si no lo sabían, Wells era ateo. Este género en particular, apoyándose en la asunción negativa y pesimista de que el hombre no puede controlar su destino, el cometido de la religión es hacer soportable esa incapacidad.

Ello lleva a actividades grupales que reúnen a los individuos en congregaciones en cuyo seno intenta dominar su miedo hacia lo inevitable, lo incontrolable y lo desconocido. Eso es exactamente lo que sucede en la parte final de La Guerra de los Mundos. Al comprobar que ni militares ni científicos han sido capaces de defenderlos del peligro, las personas se reúnen en las iglesias, orando y cantando en aceptación de su destino fatal. Pero he aquí que la salvación llega en el último momento en la forma de un acto de Dios: las naves marcianas se desploman derrotadas, de forma harto simbólica, justo en el umbral del templo y en la escena siguiente vemos a multitudes de pie en una colina cantando himnos de gratitud por haber sido preservados. Sí, han sido nuestros pequeños aliados, las bacterias que acabaron con el invasor marciano, pero ¿no son éstos también una creación de Dios, quizá dejados en la Tierra para salvarnos en un momento de tribulación como ese? ¿Qué pregunta no?

Para Wells, en la novela, el personaje del vicario, sumido en la demencia representaba su desprecio hacia la religión. En la película, por el contrario, el pastor Collins simboliza lo opuesto: un miembro sereno y respetado de la comunidad que tiene el valor de sacrificar su vida con tal de salvar a sus feligreses.

Las películas en las que los hombres viajan a otros planetas suelen presentar una amenaza doble: la de los posibles alienígenas que allí habitan y la del propio planeta en sí, un entorno hostil a nuestra biología. Pero cuando los extraterrestres vienen a la Tierra se invierte. En la Tierra, nos dice también la película, estamos en casa, jugamos en nuestro campo. La Tierra, en resumen, está de nuestra parte y actuará de forma orgánica junto a nosotros para expulsar al extraño. Según este enfoque agnóstico, los marcianos mueren no por la mano de Dios, sino por su imposibilidad de conectar con el planeta a un nivel tan íntimo como el nuestro.

Otro aspecto que impresionó bastante a los espectadores de la época, multitudes bien coreografiadas para representar el pánico y maquetas ardiendo y explotando, se insertarían imágenes reales de ciudades bombardeadas, refugiados huyendo de desastres y militares en acción. La explosión de la bomba atómica se aborda con una mezcla de horror y fascinación muy propia de la época.

Clayton Forrester interpretado por Gene Barry, y la profesora de universidad Sylvia Van Buren interpretada por Ann Robinson. Interpretaciones que no pasan de correctas.

En la presencia de los medios de comunicación, con ese locutor, se parece rendir tributo a la versión radiofónica que hizo Orson Welles y que, posiblemente, sea la más famosa adaptación de la novela jamás realizada en un medio francamente difícil como es la radio.

Las máquinas voladoras marcianas exhiben una siniestra elegancia. Sus formas, deliberadamente alejadas del icónico “platillo volante”, sugieren, en un intento de “animalizar” lo artificial, las de una cobra o las de una peligrosa manta raya y su silencioso avance por los cielos urbanos sólo está roto por el siseo de sus rayos incineradores. El diseño de sonidos que acompañaban a la tecnología alienígena resulta igualmente memorable por su conjunción de lo orgánico y lo tecnológico. Así, mientras que las naves emiten un quejumbroso rayo que suena como aspas irritadas, el sonido de la sonda que penetra en el sótano parece el silbido de una serpiente mecánica.

Es destacar los planos fotográficos del largometraje: el plano sobre la cabeza luminosa marciana que gira para observar a los tres desdichados humanos que quedaron de guardia ante el meteorito. El foco, en plano general, de la nave, con el resplandor verde. Planos de grupos de personajes, tres a menudo, con panorámicas que van de uno de ellos al entorno en general. Hay un buen trabajo de composición en los planos, por ejemplo del ejército expectante. Planos aéreos donde vemos a las naves alienígenas desde la avioneta de los protagonistas, en pura maqueta. También son estupendos los planos de la evacuación y de las ciudades desiertas, apocalípticas, fantasmales. La histeria por las calles, la humanidad animal y desquiciada, el instinto descerebrado de supervivencia…

La Guerra de los Mundos, como dijimos al principio, fue la pionera de las películas de invasiones extraterrestres, ofrecía efectos especiales innovadores e impactantes, una acción casi continua y una perspectiva global que serían imitadas una y otra vez hasta la actualidad. Sus escenas de destrucción sentaron las bases para las orgías casi pornográficas de aniquilación del cine de hoy. Es difícil no pensar en cómo otros extraterrestres, los de Día de la Independencia, aniquilaban la Casa Blanca.

Puede que hoy, encontremos motivos más que suficientes para levantar las cejas y sonreír ante determinados momentos de la película. Pero ello no le quita valor. Fue un film innovador, muy bien realizado y tremendamente influyente, y eso son motivos más que suficientes para merecer nuestro respeto. Les recomiendo que la incluyan en su videoteca personal porque es una joya del género y de las películas de culto.

El Pelado Investiga
Sabe que no estamos solos…

Fuentes consultadas:
https://as.com/
https://vandal.elespanol.com/
https://www.sensacine.com/
https://cinedivergente.com/
https://decine21.com/
https://www.superaficionados.com/
http://archivo.revistamagnolia.es/
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https://www.morbidofest.com/
https://contraste.info/
https://www.cineycine.com/
https://www.espinof.com/
https://hmong.es/
https://hipertextual.com/
https://neokunst.wordpress.com/
https://www.aceprensa.com/
https://scinefilo.blogspot.com/
https://cinemelodic.es/
https://cinergetica.com.mx/
https://cinemasaturno.com/

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